- Non preoccuparti di nulla, - gli dice. - Io ti conosco. - Puoi fidarti di me, - dice R.V., guardando la mano di lei. - Sono un uomo di David Forster Wallace chiudeva così The Broom of the System, 1987 
Gino Gianuizzi

*
- Ne t'inquiète de rien, - lui dit-il. - Je te connais. - Tu peux avoir confiance en moi, - dit R.V., en regardant sa main. - Je suis une homme de David Forster Wallace ainsi finissait The Broom of the system, 1087

Voici l'âge du doute pour moi.
Audrey Cottin


*
Ecco l'età del dubbio per me.

Lettera a A. Camilleri e la sua risposta

De: sophie usunier
Envoyé: ven. 15/02/13 11:41
À: fam
Cc: concetta modica; sophie usunier

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lettera a Camilleri corretta.rtf (5,4 Ko)

Gentile Signor Camilleri,

E' con emozione che Le scrivo, prendendo il mio coraggio, e sperando in una risposta da parte sua alla lettura di questa lettera.

Siamo due artiste visive che trascorreranno una residenza d'artista presso lo spazio espositivo Clang a Scicli dal 10 luglio al 10 agosto. 
Mi chiamo Sophie Usunier, sono francese, di origine della Lorrena, e sono stata invitata con la mia amica e artista Concetta Modica (originaria di Modica)a vivere quest'esperienza insieme.  Attualmente viviamo tutte e due a Milano. 
Le allego i nostri portfolio in modo che possa vedere il nostro lavoro artistico.
http://www.concettamodica.com
http://sophieusunier-it.blogspot.it

Una residenza per artista è generalmente uno spazio messo a disposizione degli artisti, in modo che possano creare sul campo nuove opere, sperimentare nuovi campi, incontrare, vivere il luogo. Generalmente vengono assegnati un piccolo budget in maniera di essere autonomi e con la mente rilassata per poter creare e produrre senza i bisogni quotidiani del vivere che ciascuno di noi ha in mente normalmente. 
Creare in pace e pensare solo a questo, dura generalmente da 3 settimane, un mese a  più mesi, un anno… dipende da quello che richiede l'ente che ospita, e delle sue possibilità.

Stiamo preparando questa piena immersione in questo paese siciliano, e devo dire che i titoli dei Suoi romanzi gialli di Montalbano ci hanno molto ispirato, anche per dare un filo conduttore a questa residenza, un punto di partenza. 
Abbiamo deciso di chiamare la nostra esperienza artistica(il nostro progetto?) "l'età del dubbio" come un Suo romanzo. 
Sarà perché noi vivremo per un mese proprio di fronte al "commissariato", sarà perché i Suoi titoli ispirano molto e portano a un immaginario così vasto e fantasioso, ad un mondo creativo fatto di piccole cose quotidiane, sarà per queste cose che abbiamo deciso, dopo avere elencato tutti i Suoi titoli di scegliere quello in particolare. 
Sarà forse anche perché ci troviamo noi stesse, nell'età del dubbio, quarant'anni, artiste, con un senso di precarietà, un senso dell'incognito, con  delle profonde riflessioni sul nostro stato attuale, come artiste, come donne, come umani, proprio nel mezzo del cammino della nostra vita. 
Ma l'età del dubbio potrebbe essere un titolo per un argomento storico, economico o mondiale in questa crisi che stiamo attraversando.

L'età del dubbio lascia la possibilità di una sospensione, di uno stato aperto, in equilibrio alla frontiera dello squilibrio, in uno stato di non permanenza, l'età del dubbio rende possibile ogni cosa, lascia la possibilità di scelte diverse, di attesa, di speranza...

E per questo, ci è piaciuto partire da questo titolo, lasciandoci la possibilità di poter creare, di sperimentare ogni idea, ogni pensiero, ogni riflessione sul momento, e del nostro stato.

Noi stessi lavoriamo molto con quello che ci circonda, prendendo sapore e reinventando storie e lavori con sensibilità molto personale. 

Le scrivo perché ci è venuta in mente la possibilità di una collaborazione con Lei. Abbiamo pensato che da questo punto di partenza (l'età del dubbio) e dalla nostra esperienza a Scicli, Lei potrebbe forse avere ispirazione per inventare un' idea di una nuova novella, un nuovo script, facendo sbocciare un'idea nuova dalla sua testa fantasiosa, inventando un storia su due artiste in residenza a Scicli, che incontrano Camilleri che scrive su due artiste….come una mise en abyme del punto di partenza stesso. 
Questo è un esempio, noi vorremo chiederle di pensare qualcosa di strano e romanzato.
Ci immaginiamo che alcuni indici potrebbero prendere spunto dai nostri lavori artistici, in modo da inserirli nella novella,  e dalla sua invenzione letteraria, noi stessi potremmo prendere spunto e realizzare opere intorno alla sua scrittura.
Non sappiamo se Le possa interessare. Avevamo voglia di communicarLe quest'idea. Ci proviamo. 
Ci piace molto la collaborazione tra diversi campi artistici, l'incontro di due mondi con realizzazioni da mettere in relazione e da condividere, per accedere a nuovi punti di vista.

Vorremmo anche sapere se fosse interessato a interagire con noi in una conferenza su questo tema verso il 10 di agosto, alla fine della nostra residenza.

La devo informare che non abbiamo un grosso budget, ma che la sua partecipazione a questo progetto sarebbe un grande onore per noi. 
Non so quale potrebbe essere la sua richiesta economica, so anche che è una persona molto presa e richiesta.

Siamo a sua disposizione anche per un possibile incontro a Roma per spiegarLe meglio quest'idea.

nell'attesa di un suo riscontro, Le porgiamo i nostri cordiali saluti

Sophie Usunier








______________________________________________________________________________

Roma, 12 marzo  2013 13:49:35 GMT+01:00

Gentile Sophie, 

ringrazio lei e la sua amica per aver pensato a me. 

MI spiace ma non posso in nessun modo aiutarvi, come dice una nota canzone "non ho l'età". Ho ormai 87 anni e non ho più la possibilità di fare  molto di quello che vorrei. 

Vi auguro molto molto buon lavoro

Un caro saluto

Andrea Camilleri

------ Fine del messaggio inoltrato

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De: sophie usunier

Envoyé: ven. 15/02/13 11:41

À: fam

Cc: concetta modica; sophie usunier

      1 pièce jointelettera a Camilleri corretta.rtf (5,4 Ko)

Cher Monsieur Camilleri,

C'est avec émotion que je vous écris, je prends mon courage et espère une réponse de votre part à la lecture de cette lettre.

Nous sommes deux artistes plasticiennes et nous passerons un mois en résidence d'artiste dans l'espace d'exposition Clang du 10 juillet au 10 août.

Je m'appelle Sophie Usunier, je suis française, originaire de Lorraine, et j'ai été invitée à vivre cette expérience avec l'artiste et amie Concetta Modica (originaire de Modica). 
Nous vivons actuellement toutes les deux à Milan. 
Je vous joins nos portfolios afin que vous puissiez visionner nos travaux artistiques.

http://www.concettamodica.com
http://sophieusunier-it.blogspot.it

Une résidence pour artiste est généralement un espace mis à disposition des artistes, afin de pouvoir créer sur place de nouvelles oeuvres, d'expérimenter de nouveaux champs, de rencontrer, de vivre le lieu. On assigne aux artistes généralement un budget de manière à ce qu'ils soient autonomes et qu'ils puissent créer et produire sereinement. Créer en paix et penser seulement à cela. La résidence dure généralement de 3 semaines à un mois, à plusieurs mois,à un an... cela dépend de la structure qui accueille et de ses possibilités. 

Nous sommes en train de préparer notre pleine immersion dans cette ville sicilienne, et je dois dire que les titres de vos romans policiers sur le commissaire "Montalbano" nous ont beaucoup inspirées, nous nous en sommes inspirés aussi pour donner un fil conducteur à notre résidence, un point de départ.

Nous avons donc décidé d'appeler notre expérience artistique "l'età del dubbio" (l'âge du doute) comme un de vos romans.
Est-ce parce que nous allons vivre pendant un mois juste en face du "commissariat de Montalbano", ou peut-être parce que vos titres sont une inspiration permanente et portent à un imaginaire vaste et fantaisiste, à un monde créatif fait de petites choses quotidiennes? en tout cas, c'est certainement pour  tout cela que nous avons décidé, après avoir énuméré tous vos titres, de choisir celui là en particulier.

Il y a des chances aussi que nous ayons choisi ce titre parce que nous nous trouvons nous-même dans l'âge du doute, quarante ans, artistes, avec une sensation de précarité, une sensation d'inconnu, avec de profondes réflexions sur notre état actuel, comme artistes, comme femmes, comme humains, exactement "au milieu du chemin de notre vie".

Mais l'âge du doute pourrait être aussi le titre pour un argument historique, économique ou mondial dans cette crise que nous sommes en train de traverser.

L'âge du doute laisse la possibilité d'une suspension, d'un état ouvert, en équilibre à la frontière du déséquilibre, dans un état de non permanence, l'âge du doute rend possible toute chose, laisse la possibilité de choix divers, d'attente, d'espérance...

C'est pour cela que ce titre en point de départ nous a plu, il nous laissait la possibilité de créer, d'expérimenter chaque idée, chaque pensée, chaque réflexion du moment, chaque état d'esprit.
Toutes deux travaillons beaucoup avec ce qui nous entoure, en cueillant les saveurs du quotidien, nous réinventons des histoires avec une sensibilité très personnelle.

je vous écris parce qu'il nous est venu en tête la possibilité d'une collaboration avec vous. Nous avons pensé qu'à partir de ce point de départ (l'âge du doute) et de notre expérience à Scicli, cela vous inspirerait peut-être pour inventer une nouvelle histoire, un nouveau script, pour éclore une nouvelle idée, en créant un récit sur deux artistes en résidence à Scicli qui rencontreraient Camilleri qui écrirait sur deux artistes, comme une mise en abyme du point de départ même.

Ceci est un exemple. Nous voudrions vous demander de penser à quelque chose d'étrange et de romancé. Nous imaginons que certains indices pourraient provenir de nos travaux artistiques,de manière à les insérer dans la nouvelle. Et nous-même pourrions nous inspirer de votre propre intervention et invention littéraire pour créer de nouvelles oeuvres.

Nous ne savons pas si cela peut vous intéresser, mais nous avions envie de vous communiquer notre idée.

Nous sommes très intéressées par la collaboration de différents champs artistiques, par la rencontre de deux mondes, par des réalisations à mettre en relation et en partage, pour accéder à de nouveaux points de vues.

Nous voudrions aussi savoir si vous seriez intéressé à interagir avec nous dans une conférence sur ce thème aux environs du 10 août, à la fin de notre résidence.

Je dois vous informer que nous n'avons pas un gros budget, mais que votre participation au projet serait une grand honneur pour nous. Je ne sais pas quelle pourrait être votre requête économique, je sais aussi que vous êtes très occupée et très demandée.
Nous restons à votre disposition, disponibles même à venir vous rencontrer à Rome afin de mieux vous expliquer notre idée.

dans l'attente de votre réponse, veuillez agréer nos sincères salutations.

Sophie Usunier

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Roma, 12 marzo  2013 13:49:35 GMT+01:00

Chère Sophie, 

Je vous remercie, ainsi que votre amie, d'avoir pensé à moi.
Je suis désolé mais je ne peux en aucune manière vous aider, comme dit une célèbre chanson "je n'ai plus l'âge". J'ai désormais 87 ans et je ne peux plus faire autant de choses que je le voudrais.

Je vous souhaite un très très bon travail

Amicalement

Andrea Camilleri

------ Fine del messaggio inoltrato

Mostra dal 9 Agosto al 1 di Settembre 2013/Exposition du 9 Août au 1 Septembre 2013

Concetta Modica "Disegni dubbiosi"(9 disegni/9 dessins)

Concetta Modica "Disegni dubbiosi"(9 disegni/9 dessins)
Sophie Usunier "Mascaron" (video)

Sophie Usunier "Mascaron" (video)

Concetta Modica "La misura di un dubbio" (video)

Sophie Usunier "Un barlume di chiarezza" (installazione/installation)

Concetta Modica "Il Moro" (pietra calcarea/Pierre calcaire)
Sophie Usunier "Il cielo rubato" (libro/livre)
Concetta Modica "Il Moro" (stampa fotografica/photographie)

Concetta Modica "Histoire d'un jour"(installazione/installation)

Sophie Usunier "Un barlume di chiarezza" (installazione/installation)

Sophie Usunier "Don't let me down"
(installation/installation)

Sophie Usunier "Don't let me down"(installation/installation) 

Sophie Usunier "Impression Cielo Rubato"
(2 stampe su carta d'aquarello/2 impressions sur papier aquarelle)

Concetta Modica "Il Moro" cm 81x50
(stampa fotografica/photographie)

lettera a e risposta di Andrea Camilleri

Concetta Modica "Il Moro" cm 30x40
(pietra calcarea/pierre calcaire)

Concetta Modica "Il Moro" cm 56x77
(stampa litografica con petrolio/Lithographie)

Sophie Usunier "Don't let me down"(installation/installation)

Francesco Lauretta "Vaso di Fiori"

Francesca Alfano Miglietti

Habitat#2|Concetta Modica Sophie Usunier
7 luglio  Grotta del Timponello Scicli


Devo dire che, a parte la sorpresa di verificare come la bellezza può essere un’aggressione, sono alcuni giorni ormai che siamo qui, tra Scicli, Noto e il circondario, e ogni volta uno pensa di aver visto la cosa più bella, in realtà la cosa più bella non l’ha ancora vista.  Andiamo nei posti dicendo non può essere più bello di così e uno arriva e resta senza parole e si capisce perché, come diceva Baudelaire, il Sud non è una regione una porzione geografica, ma è un desiderio.

Non è un caso che sforni tanti artisti il sud del mondo, non necessariamente il sud dell’Italia, e questo è uno degli attraversamenti di questa piccola introduzione.

Personalmente, ritengo che l’arte non ha dubbi. Sulla parola dubbio, sono tutti sempre molto contenti "si si ci sono sempre dubbi" "chi può avere certezze?", ma io sono fondamentalmente convinta, e come tutti quelli convinti, quindi certa di sbagliare, che se c’è una cosa di cui l’arte è proprietaria, è che non ha dubbi.

L’arte non è una cosa facile, è una cosa difficilissima, quelli che dicono non capisco l’arte per me sono degni di grande rispetto. 
A volte lo dicono con ironia... 
Invece il pudore di avere di fronte qualcosa che non si capisce, quello che non si capisce non è un nemico, quello che non si capisce è un pretesto: il pretesto per cambiare opinione, per vedere un’altra porzione di mondo, per avvicinarsi a qualcosa che uno ha sempre saputo, ma che non sa di sapere.  
L’arte è una cosa molto difficile perché si misura con due cose che hanno a che fare con gli esseri umani, che sono: l’infinito e la morte, le uniche due cose di cui noi non potremo mai fare esperienza.

Noi non potremo fare esperienza mai della nostra propria morte.

Questa è una regione, come spesso succede al sud del mondo, dove la morte, spesso non è qualcosa di ostile, è qualcosa che vive nelle case, nei ricordi, nella presenza sistematica, nei nomi dei figli che nascono e che hanno il nome dei parenti che li hanno preceduti, perché la morte non è qualcosa che viene vissuta come qualcosa di cattivo, è qualcosa che c’è, e questo atteggiamento sulla morte è qualcosa di molto rivoluzionario..perché la morte non ha fatto sempre paura, c’è un fantastico volume di Philippe Ariès  “La storia della morte in occidente”, per cui noi vediamo come nel corso dei secoli cambia il rapporto degli umani con la morte. 

Con la morte per moltissimi anni si è convissuti, con una morte abituale una morte domestica,  si facevano tanti figli perché molti morivano,  nello stesso posto dove uno nasceva, moriva, e nello stesso tavolo della cucina dove venivano dati al mondo i figli, era il posto dove si collocavano le persone anziane e morte e si andava al cimitero.

La cosa fantastica del rapporto positivo con la morte è la differenza dei cimiteri che ci sono in giro per il mondo. In Spagna come in Italia si va sistematicamente al cimitero, si puliscono le lapidi, si scambiavano anche consigli sui prodotti da usare per far venire la lapide più brillante, si puliscono le immmagini. Spesso diventano anche dei luoghi dove i parenti più stretti portano dei piccoli segni della vita della persona che è seppellita.  Facendo un giro in un cimitero del sud è bellisimo vedere che in alcuni posti c’è la sciarpa della squadra del cuore, il cappellino che uno usava sempre, una cravatta, dei fiori, per cui questo tenere in vita qualcosa che quindi non è finito,  perché qualcosa finisce quando finisce la memoria di quella cosa.

L’altra cosa di cui non possiamo fare esperienza è l’infinito.

Ci misuriamo sistematicamente con un’idea che non possiamo contenere, la nostra idea di infinito è una misura che corrisponde alla cosa più grande che possiamo pensare, ma la cosa più grande che possiamo pensare non è infinita, ce ne una ancora più grande, un po’ come il gioco che fanno a volte i bambini in cui vince quello che dice in numero più alto, non si finisce mai, perché basta dire più uno che c’è sempre un più uno.

L’attraversamento di queste due possibilità probabilmente ha dato origine all’idea di arte. Quando sono stata invitata, ho deciso quasi immediatamente di portare un film, un film semplicissimo, un film documentario e raramente i film documentari sull’arte non sono noiosi, questo ha la caratteristica di non essere noioso perché il protagonita è lo stesso artista che ha voluto questo film, ed è soprattutto la ripresa di un’operazione artistica di questo artista.

Quest'artista che è una persona molto fortunata (a volte quello che ci sembra una sfiga invece improvvisamente è una fortuna) lavorava come grafico, non riusciva a fare l’artista, ci vogliono dei soldi per fare l’artista e una serie di strumenti,  e lui uscendo dal suo studio di grafico è stato investito da un’automobile. La persona che lo ha investito era molto ricca e per risarcirlo, perché non aveva la patente e le solite storie, gli ha dato dei soldi e lui ha potuto iniziare la sua attività. Ma come tutte le persone che sono coscienti di quello che hanno avuto e di quello che hanno disseminato lui è tornato in Brasile. La storia di questo film e lui stesso, sono brasiliani, è tornato in Brasile e ha fatto delle ricerche su una delle discariche più grandi del mondo, ha avvicinato alcune persone che lavoravano in questa discarica e ha costruito delle opere d’arte che poi sono finite all’asta.

Secondo me c’è una parte in questo film, c’è una domanda che la moglie fa a Vic Muniz e gli dice:” ma secondo te è giusto cambiare la vita a queste persone solo per un anno?” e lui dice:” secondo me si”, e anche io lo penso, meglio cambiare vita per un anno che non una vita sfigata per sempre. Ho voluto portare questo film perché secondo me è una riposta a che cos’è l’arte. Tutti dicono che cos’è l’arte non si può dire, secondo me si può dire tranquillamente, si può dire opera per opera, artista per artista, che cosa è l’arte per Picasso si intuisce, che cosa è l’arte per Rubens si intuisce, la quantità di icone, di chiese,  di luoghi di bellezza che circonda la vita quotidiana, racconta sistematicamente che quella non è vita quotidiana, la potenza di voler costruire e di voler manipolare, usare inventare in modo visionario la bellezza, ci fa capire che è un’altra cosa.

L’artista ha un doppio ruolo perché contemporaneamente fa esperienza per se e per gli altri e se l’arte ha una funzione è quella che ci racconta che tutto è possibile, è la costruzione di una realtà che non è quella abituale e che comunque non è qualcosa di visionario, qualcosa che non si può esperire, è qualcosa di molto potente, qualcosa che ci fa fare delle domande o ci commuove, ci da delle riposte. La commozione è qualcosa di molto intimo ci si commuove per la bellezza, per qualcosa che ci tocca molto da vicino, l’unico modo e l’unica precauzione da prendere è quella di non avere pregiudizi, l’idea di avvicinarsi all’arte pensando che uno sa che cosa sia, perché ha dei modelli, perché ha visto delle cose, perché glielo hanno spiegato a scuola, è un modo di non vedere. 
Io dico spesso che questa è un’epoca che sta perdendo il senso perché stiamo perdendo i sensi, e devo dire che in una realtà come questa, sopprattutto di questi giorni che sto attraversando, i sensi sono molto attivi i sapori molto forti, la luce è tanta, si sentono continuamente delle cose, per cui questa è ancora una realtà, e probabilmente chi la vive non è conscio della potenza di viverci,  dove continuamente i sensi sono sollecitati e attivati, dove vedere vuol dire vedere, sentire vuol dire sentire.

E' bellissimo camminare e passeggiare in posti dove la gente non guarda solo il monitor del telefonino ma dove guarda le persone, spesso le persone più anziane ci chiedono:” ma cu si?” perché uno passa in questi vicoli davanti alle porte, per cui c’è anche questa fantastica relazione...
Esistiamo in questi posti come umani come persone e non attraversamenti dei non luoghi e degli spazi che invece ci escludono.  L’arte in questo momento parla di questo, l’arte in questo momento parla di sentimenti, di reazioni, parla di relazioni, ma non delle proprie relazioni, parla del concetto dell’altro, della costruzione, del poter costruire, del potersi incontrare e se c’è una cosa veramente fantastica dell’arte è che l’arte ci sposta.

Chi vive nel mondo dell’arte, chi opera nel mondo dell’arte, a volte sceglie, a volte è costretto a spostarsi, costretto a svegliarsi in un altro letto che non è il proprio, costretto a guardare da una finestra che non è quella abituale e probabilmente è tutto questo che ci rende più propensi a guardare e vedere, perché nei momenti in cui cominciamo a vedere, poi non possiamo più essere ciechi e a questo proposito c’è un libro fantastico che sicuramente tutti avete letto che è cecità di Saramago, in cui è molto forte la consapevolezza che la civiltà, la relazione, l’economia, vivono solo se noi siamo padroni dei nostri sensi e del nostro corpo, nel momento in cui smettiamo di essere questo non possiamo più neanche essere civili.

Francesca Alfano Miglietti






*
Je dois dire que, au delà de la surprise de vérifier combien la beauté peut être une agression, voilà quelques jours déjà que nous sommes ici, à Scicli, Noto et ses environs, et à chaque fois, on pense avoir vu la chose la plus belle quand en réalité la chose la plus belle on ne l'a pas encore vue. On visite des lieux en se disant qu'on ne peut trouver mieux, et quand on y arrive, on reste sans parole, et on comprend pourquoi. Comme disait Baudelaire, le Sud n'est pas une région, une portion de terre, mais c'est un désir.

Ce n'est pas un hasard si le sud met au monde autant d'artistes,  j'entend le sud du monde, non pas forcément le sud d'Italie, et ceci est une de mes pensées pour cette brève introduction.

Personnellement, je pense que l'art n'a pas de doute, sur le mot doute on est toujours très content de se dire "oui oui il y a toujours des doutes", "qui peut être sûr ?", mais je suis entièrement convaincue, et comme tous ceux qui sont convaincus, c'est à dire certaine de me tromper, que si il y a bien une chose que possède l'art c'est qu'il n'a pas de doute.

L'art n'est pas facile à comprendre, c'est même très difficile, ceux qui disent "je ne comprends pas l'art", selon moi, sont dignes d'un grand respect.

Quelques fois, c'est dit avec ironie...

Pourtant...la pudeur d'avoir devant soi quelque chose d'incompréhensible qui ne doit pas être traité en ennemi, mais doit devenir un prétexte: le prétexte pour changer d'opinion, pour voir une autre part du monde, pour s'approcher de quelque chose qu'on a toujours su, mais qu'on ne sait pas qu'on sait.

L'art est difficile parce qu'il se mesure à deux choses qui ont à voir avec l'être humain et qui sont: l'infini et la mort, les deux seules choses dont on ne pourra jamais faire l'expérience.

Nous ne pourrons jamais faire l'expérience de notre propre mort. Cette région, comme cela arrive souvent au sud du monde, est une région du monde où souvent la mort n'est pas considérée comme hostile, elle est présente dans les maisons, dans les souvenirs, systématiquement, dans les prénoms des enfants qui naissent et qui portent le prénom des ancêtres, parce que la mort n'est pas vécue comme quelque chose de mauvais, c'est quelque chose qui est, et cette attitude sur la mort est de très révolutionnaire... parce que la mort n'a pas toujours fait peur, Philippe Ariès a écrit un livre fantastique "Essais sur l’histoire de la mort en occident", où nous voyons comment au cours des siècles le rapport des êtres humains avec la mort change.

Pendant de très nombreuses années, on a vécu avec une mort ordinaire, une mort domestique, on faisait beaucoup d'enfants parce nombre d'entre-eux mouraient; et là où on naissait, on mourait, et sur la même table de cuisine où souvent venaient au monde les enfants, c'était aussi l'endroit où se trouvaient les personnes anciennes, puis mortes, et on allait alors au cimetière.
Ce qui est fantastique dans le rapport positif avec la mort est la différence entre les cimetières qu'il y a à travers le monde. En Espagne comme en Italie on va systématiquement au cimetière, on nettoie les tombes, on échange des conseils sur les produits utilisés afin que la tombe soit plus brillante, on nettoie les images. Très souvent, cela devient aussi des endroits où les plus proches parents portent quelques petits signes de vie de la personne enterrée. Quand on fait un tour dans les cimetières du sud, c'est beau de voir qu'à certains endroits il y a l'écharpe de l'équipe préférée, le chapeau qu'il avait l'habitude de porter, une cravate, des fleurs, afin de tenir en vie quelque chose qui n'est donc pas finie, parce quelque chose finit quand finit la mémoire de cette chose.
L'autre chose dont on ne peut faire l'expérience c'est l'infini.
On se mesure automatiquement avec une idée qu'on ne peut pas contenir. Notre idée d'infini est une mesure qui correspond à la chose la plus grande à laquelle nous puissions penser, mais la chose la plus grande à laquelle nous pensons n'est pas infinie, il y en a toujours une plus grande, un peu comme le jeu que font quelque fois les enfants où celui qui gagnent est celui qui dit le numéro plus élevé, on n'en finit jamais, parce qu'il suffit d'ajouter "plus un", et il y a toujours un "plus un".

Le passage de ces deux possibilités probablement est à l'origine de l'idée d'art.
Quand on m'a invitée, j'ai décidé presque aussitôt d'amener un film, un film très simple, un film documentaire, souvent les films documentaires sur l'art sont ennuyeux, mais celui-ci a la caractéristique de ne pas être ennuyeux parce que le protagoniste est l'artiste celui même qui a voulu faire le film, et c'est surtout le tournage d'une opération artistique de cet artistique.

Cet artiste qui est une personne très chanceuse (quelque fois ce qui nous semble être de la malchance est au contraire à l'improviste une chance) travaillait comme graphiste, il ne réussissait pas à faire de l'art, il faut de l'argent pour faire de l'art et une série d'instruments, et un jour, en sortant de son studio de graphisme il se fait renverser par une voiture.

La personne qui conduisait se trouvait être très riche et pour le dédommager, ou parce qu'il n'avait pas le permis de conduire ou pour autres choses (toujours les mêmes histoires), il lui a donné de l'argent, ainsi il a pu commencer son activité d'artiste, mais comme toutes les personnes qui sont conscientes de ce qu'elles ont eu et de ce qu'elles ont disséminé, il est revenu au Brésil.
L'histoire de ce film et lui-même sont brésiliens,  il est revenu au Brésil et il a fait des recherches sur une des décharges les plus grandes du monde, il a rencontré certaines personnes qui y travaillaient et il a construit des oeuvres d'art qui ont été ensuite vendues aux enchères.

Il y a un passage dans ce film où sa femme lui pose une question: "mais d'après toi c'est juste de changer la vie de ces personnes seulement pendant un an?", à cela il lui a répondu: "d'après moi, oui", et moi aussi je le pense, il vaut mieux changer de vie pendant un an que de mener une vie misérable toute la vie.

J'ai voulu apporter ce film parce que, selon moi, ce film est une réponse à ce qu'est l'art. Tout le monde dit qu'on ne peut pas dire ce qu'est l'art. En ce qui me concerne, on peut le dire tranquillement. On peut le dire oeuvre par oeuvre, artiste par artiste, on devine ce qu'est l'art pour Picasso, on devine ce qu'est l'art pour Rubens. La quantité d'icônes, d'églises, de lieux magnifiques qui environnent la vie quotidienne raconte systématiquement que tout cela n'est pas la vie quotidienne, la puissance de vouloir construire et manipuler, utiliser, inventer la beauté de manière visionnaire,  tout cela nous fait comprendre autre chose.

L'artiste a un rôle double parce qu'il fait l'expérience pour lui et pour les autres. Et si l'art a une fonction, c'est bien celle de nous raconter que tout est possible. C'est la construction d'une réalité qui n'est pas celle de tous les jours, mais qui n'est pas non plus quelque chose de visionnaire, quelque chose qui ne peut s'expérimenter. C'est quelque chose de très puissant, quelque chose qui nous questionne ou qui nous émeut, qui nous donne des réponses.
Etre ému est quelque chose de très intime, on s'émeut pour la beauté, pour quelque chose qui nous touche de très près. L'unique manière d'être et la seule précaution à prendre c'est celle de ne pas avoir de préjugés.
L'idée de se rapprocher de l'art avec l'idée de déjà connaître, parce qu'on a des modèles, on a vu des choses, on nous l'a expliqué à l'école, est un manière de ne pas voir. 

Je dis souvent que c'est une époque qui est en train de perdre le sens parce que nous sommes en train de perdre les sens. 
Et je dois dire que dans une réalité comme celle ci, surtout ces jours-ci, les sens sont très actifs, les saveurs sont très fortes, la lumière l'est tout autant. Nos sens sont en permanence stimulés, et donc c'est encore une réalité, et probablement celui qui la vit quotidiennement n'en est pas conscient, où les sens sont continuellement sollicités et actifs, où voir veut dire voir, sentir veut dire sentir.

C'est merveilleux de se promener dans des endroits où les gens ne fixent pas seulement l'écran de leur portable, mais où ils regardent les personnes. Souvent les personnes plus âgées nous demandent: 
" ma cu si?" (mais qui es tu? en sicilien dans le texte) parce qu'il arrive qu'on passe dans des petites ruelles devant les portes et donc, il existe encore cette fabuleuse relation à l'autre.

Nous nous sentons humains dans ces lieux, nous nous sentons être des personnes, nous ne sommes pas en train de traverser des non-lieux et des endroits qui au contraire nous excluent.

L'art en ce moment parle de cela, il parle en ce moment de sentiments, de réactions, il parle de relations, non pas des relations personnelles, il parle du concept de l'autre, de la construction, de la possibilité de construire, de la possibilité de se rencontrer, et si il y a une chose vraiment fantastique de l'art, c'est que l'art nous déplace. 

Celui qui fait partie du monde de l'art, qui y travaille, a quelques fois le choix, ou est quelques fois obligé de se déplacer, de se réveiller dans un autre lit qui n'est pas le sien, de regarder par une fenêtre qui n'est la sienne. Et probablement c'est tout cela qui nous rend plus disposés à regarder et à voir, parce que dans les moments où nous commençons à voir,nous ne pouvons plus ensuite être aveugles. 

A ce propos, il y a un très beau livre que vous avez sûrement tous lu qui s'intitule "l'aveuglement" de José Saramago, dans lequel il insiste sur le fait d'être conscient que la civilisation, la relation, l'économie existent seulement si nous sommes maîtres de nos sens et de notre corps. 

Du moment où nous arrêtons de l'être, nous ne pouvons plus être civils.

 

Francesco Lauretta

Habitat#2|Concetta Modica Sophie Usunier
9 luglio  giardino di San Giovanni

(*en cours de traduction)

Vaso Di Fiori
Alcuni forse sanno che i miei genitori non hanno mai visto una mia mostra, e forse non ne vedranno mai, di sicuro non mio padre, e neanche mia madre… naturalmente, se ci penso adesso. Eppure mia madre ha da sempre voluto che io  le facessi un quadro, un bel quadro da mettere in cucina o in corridoio. E per anni mi ripeteva questa cosa, Un quadro, magari un bel vaso con fiori, e io ci scherzavo su:” Mamma, un vaso puoi sempre metterlo in cucina e con dei bei fiori che siano sempre freschi e più belli di quelli dipinti, puoi anche metterlo in corridoio e poi mica sono bravo come Jean Baptiste Siméon Chardin o Odilon Redon io!”  Niente, tanto ha insistito che una volta mi sono armato di pazienza e ho dipinto un quadretto, piccolo. Solo che non era un vaso con fiori, tutt’altro.

Antonio Sparacino

Habitat#2|Concetta Modica Sophie Usunier
9 luglio  giardino di San Giovanni

(*en cours de traduction)
 

Quando mi è stato chiesto onestamente di parlare qui, non mi sono sentito particolarmente adatto a parlare del dubbio, non solo per quello che faccio, per quello in cui credo, ma soprattutto perché mi sembrava poco adatta la mia parola dentro un contesto del genere però poi ripensandoci… si fa esperienza del dubbio sempre.

Mi sono messo a ripensare ai miei dubbi e mi è venuta un’immagine dei tempi dell’adolescenza, l’età del dubbio per eccellenza, ricordo di aver fatto delle letture particolari, le letture tipiche dell’età adolescenziale e c’era un autore che allora andava molto di moda, si chiamava De Crescenzo, che raccontava di un intellettuale napoletano e lui a un certo punto nelle sue lezioni a dei poveracci che stavano li con lui, rappresenta la civiltà divisa in due realtà: una che segue il punto esclamativo e una che segue il punto interrogativo.

Il punto esclamativo è l’intolleranza, l’asserzione, certa l’incapacità di dialogo;

il punto interrogativo è invece l’essenza stessa della ricerca e quindi la tolleranza, il contrario del punto esclamativo. Da lì immediatamente il pensare che soltanto con il punto interrogativo, quindi col dubbio si può realmente crescere, tuttavia io penso che il dubbio sia semplicemente il primo passo, Il dubbio è ciò che ti pone la domanda, dalla domanda inizia la ricerca, ma un ricerca che non ha un fine obiettivamente non è ricerca, perché diventa fine a se stessa.